Lo peor de Toy Story 4 es el título. Y con esto, pienso, ya está dicho todo porque, por lo demás, Pixar, lo ha vuelto a hacer: no sé si pasará a ocupar el puesto número 1 de las mejores películas de la compañía del flexo pero, seguro, sí uno de los primeros. Tengo que reconocer que daba poco por ella. No obstante, pienso que, sin temor a equivocarme, podemos hablar de una nueva pequeña obra maestra cinematográfica. ¿Por qué? Porque lo tiene todo: emoción, diversión –mucha–, historia, grandes personajes y… un final totalmente nuevo e inesperado.
Después de los sucesos de Toy Story 3, nuestros protagonistas de siempre, Woody, Buzz, Jessie, Rex, Jam, señor y señora Patata…, tienen una nueva vida en el cuarto de Bonnie, con otros amigos. Pero para Woody, en realidad, no todo es como querría. Sabe perfectamente quién es y cuál es su misión en la vida, pero algo no va. Las cosas se tornan, cuando Bonnie aparece con un nuevo juguete, creado por ella misma: Forky, un tenedor con patas, y ojos, y brazos, y manos…, que no quiere ser más que basura. Pero Woody se da cuenta de que se ha convertido en el juguete favorito de Bonnie, y hará lo que sea para protegerlo. Una excursión de la familia, en autocaravana, servirá para mostrarlo. E, incluso, de camino se encontrará a alguien muy añorada: Bo-Peep.
Mucho se ha dicho –a estas alturas de la jugada– sobre la crisis artística que está empezando a asomar por la puerta principal de Pixar. Ya hablé de secuelas hace un tiempo, pero ahora, una nueva gota que ha colmado el vaso de algunos es el anuncio de la secuela de Buscando a Nemo. Esta vez, los personajes buscarán a Dory, la pez que tenía pérdidas muy significativas de memoria inmediata. Ellen DeGeneres (la misma que puso la voz en esta simpática amiga de Marlin, el padre), lo anunció oficialmente: Pixar está trabajando en Finding Dory, para el 25 de noviembre de 2015.
En este breve vídeo, hay algo que me parece muy interesante destacar. Ellen DeGeneres –por lo visto muy conocida en su programa «Ellen», en Estados Unidos–, durante distintos capítulos de su programa hizo broma sobre una hipotética segunda parte de Finding Nemo. Dice: «cuando hacen una película que ha tenido éxito, lo normal es que hagan una secuela; por ello, esperaba y esperaba…». Parece que existe como una necesidad de esta segunda parte debido al éxito de su antecesora.
No obstante, a mí me parece que no tiene que existir esta «necesidad» y que este no ha sido nunca uno de los motivos que ha movido a la compañía del flexo –no así a otras como Dreamworks y sus interminables Shrek, por ejemplo– a hacer segundas partes. En Pixar, imperan las historias: si hay algo bueno que contar, hay una película. Si no, no. Toy Story 2, nació porque había una nueva historia distinta que la primera: y la hicieron. Toy Story 3 (ya lo conté), iba a ser una película de Disney, pero con la compra millonaria de Pixar –gracias a la que Lasseter pasaba a ser el director creativo de Disney– se paró el proyecto hasta nueva orden. Finalmente, esta tercera parte es una obra maestra gracias a que, de algún modo, empiezan de nuevo.
Como una buena mini-serie de televisión: cada capítulo es una nueva historia, pero con los mismos personajes. Si hay creatividad, hay historia y, por tanto, nuevos capítulos. Resumiendo la diferencia de silogismo:
Incorrecto: éxito => secuela => inventamos la historia => hacemos la película
Correcto: éxito => ¿hay una nueva historia? => tenemos una nueva historia => la secuela es posible => hagámosla.
(Correcto / Incorrecto, según lo que me parece que deberían plantearse los creadores de buenas películas).
Así las cosas, en pocas semanas podremos ver en los cines Monsters University, la precuela de Monsters Inc. Según corrió por la red, ésta también iba a ser un proyecto independiente: Mike y Sulley añorando a Boo deciden reconstruir la puerta de su habitación, pero, cuando lo consiguen, se dan cuenta de que esa ya no es la habitación de Boo. ¿No os parece una gran diferencia con la premisa que nos plantea MU: «antes de trabajar, tuvieron que estudiar…»? ¡Eso es!: se acabó Boo –un gran personaje, todo hay que reconocerlo–, se acabó la puerta, se acabó la habitación… «¡Vamos rompernos el ‘coco’ para encontrar una nueva historia con nuestros amigos!». He aquí el último tráiler:
De entrada –no me lo negaréis– la premisa de esta precuela tiene pinta de distinta, respecto a la primera. Y es lo que –de momento no me han mostrado lo contrario– hace Pixar. ¿Por qué, si no, aún no hemos visto –ni siquiera nos la han anunciado– una segunda parte de Los Increíbles? ¿No será que aún no tienen la historia que les convezca para no repetirse, y que no haga honor a la frase que tan famosa ha hecho Disney en muchas de sus películas directamente-para-DVD: «nunca segundas partes fueron buenas»? Por eso, me da «miedo», cuando una compañía anuncia que va a hacer una segunda parte, inmediatamente después del éxito de la primera, como en el caso de The Croods. ¿Os acordáis –un ejemplo distinto– del descaro de Sólo en Casa 2, exactamente igual a la primera, pero cambiando el lugar? Incluso Cars 2 –digan lo que digan algunos, aunque es verdad que es la más comercialmente rentable de la compañía– mejora la anterior.
Por ahora, las próximas películas son totalmente nuevas: The Good Dinosaur (2014) e Inside Out (2015). Queda, también, aquella de la que se ha dicho poco y que gira entorno a «el día de los muertos» mexicano…
Yo, sinceramente, aún espero grandes historias venidas de Pixar.
Hay veces que uno se queda anonadado. O porque no sabe qué decir ante un disparate –del tamaño que sea– o porque ha visto algo sencillamente –¡cómo me gusta esta palabra!– genial. Con Paperman (2011) me ha ocurrido lo segundo: a la espera de The blue umbrella, que tiene pinta de seguir la misma técnica –mezcla de animación tradicional y 3D–, Disney nos regala este fantástico cortometraje. Fantástico por su sencillez y por su bonita historia.
Es precisamente porque nos gusta lo que vemos, que inmediatamente nos hacemos con el relato, aceptamos lo fantasioso y decimos –casi diría: «¡le exigimos!»– a George, el protagonista: «¡Se puede saber a qué estás esperando?»
Una auténtica hermosura y la clase rara de cortometraje que depende más del alma que del cerebro. Increíble lo lejos que puede llegar esa fórmula, bien planteada.
¿Estamos ante Pixar o ante Disney? La verdad, creo que da igual. ¡Rompe Ralph!: hay que sentarse, verla y disfrutar. Porque, realmente, vale mucho la pena. He defendido mucho en este blog la necesidad de que las películas –las historias– tengan bueno personajes. Profundos y de tres dimensiones. Y ¡Rompe Ralph!, no sólo los tiene, sino que se dejan querer. Mucho. Muy bien trabajados: a su página web me remito, donde hay una pequeña biografía de cada uno de ellos.
A mi entender, entre otras cosas importantes a la hora de crear personajes, es que no haya nadie tan malo, tan malo, que, en cierto modo, seamos incapaces de identificarnos con él; ni nadie tan bueno, tan bueno, que nos apartemos porque nos parece bonito ahí, en la pantalla, pero ya está: terminada la historia, game over. Demasiado exagerado. En cambio, en este nuevo clásico Disney –este sí me parece que puede serlo–, no hay final de la partida. Hay un press start: iníciala.
Ralph es el malo de un juego de 8 bits que cumple 30 años. Su trabajo: romper un edificio que siempre acaba reparando Félix con su martillo mágico. Por eso, el juego se llama “Félix: repáralo todo”. No es que sea un gran juego pero, aún sin tener mucha fama, a los niños les gusta. El problema es que Ralph está cansado de ser el malo y vivir en una pocilga, sin ganar nunca ninguna medalla y que los vecinos del ático que siempre rompe nunca le traigan un pastel. Así las cosas, un buen día decide cambiar de juego para poder ganar una medalla y, así, tener amigos con quien compartir penas y gloras; pero no es consciente de los graves problemas a que esto puede llevar a la gran central de juegos.
Mientras espero disfrutar con el nuevo volumen de los cortometrajes de Pixar (insigne regalo de sus majestades mágicas), me llega una nueva –en principio– alegría pixariana que acompañará Monsters University (estreno el 21 de junio). Supongo que a muchos les pasa lo mismo: da gusto ver cómo deben disfrutar los de Lasseter creando historias de algo tan insustancial como la relación amorosa entre dos paraguas. Esta es la sinopsis oficial:
Es un noche muy lluviosa, y la ciudad se llena de vida con el sonido de las tuberías que gotean la lluvia, silbando toldos y canalones llenos de agua. Un paraguas azul se encuentra con un paraguas rojo, del cual se enamora y queda estancado en el amor para siempre.
John Lasseter lo ha dicho muchas veces: que le gusta animar cosas inanimadas. Por lo visto, estamos ante un corto podríamos decir que «minimalista»: sencillez de imagen (estilo fotográfico), sencillez de diseño… ¿Cómo es posible dar vida a un paraguas y con un rostro tan poco expresivo: sólo dos puntos y tres línieas? Lo consiguieron con unos robots y una cucaracha. Lo consiguieron con unas «sombras» –me refiero a Day & Night–. ¿Por qué no con unos paraguas?
Os dejo con el vídeo: sinceramente, tiene pinta de confirmar lo que tan bien trabaja Pixar: lo más importante ¡son los personajes y las historias, no la técnica!
Antes de decir nada de Brave -que, sinceramente, me ha parecido genial-, quiero hablar de su predecesora, Cars 2: todo el mundo la saca a colación, ya sea o porque Pixar ha superado un supuesto bache con la película de la chica de la melena pelirroja, o bien -todo lo contrario-, porque esta compañía -en mi opinión, la que sigue siendo la mejor en el terreno de la animación-, sigue su debacle empezada con la segunda parte de Cars.
Decirlo así o leerlo sin más, a uno le vienen ganas de responder por lo menos con un «¡pero, qué me estás contando?», o algo así. ¡Ep! Pues lo dice John Lasseter, en esta magnífica entrevista que acabo de leer:
Pixar no hace películas para niños -afirma el genio del flexo-; Pixar hace películas para todos: niños, adolescentes, adultos y familias».
Entonces, la respuesta es: «¡Ah! Si es así, vale…» Pero no. No es así: detrás de esta afirmación hay mucha más enjundia que se percibe leyendo toda la entrevista. Lasseter es un creativo que ama las historias, y ama a sus personajes porque cree en ellos. Que ¿cómo se puede creer en alguien que, propiamente, no existe? Porque sí existe. Los personajes que crea cualquier buen escritor, acaban «cobrando vida propia», y son ellos los que deciden -o no- hacer algo. ¿Cómo?, insisto: porque sus creadores los han pensado mucho, les han dado una forma, una vida -interior y exterior-, un carácter… Independientemente de la técnica que usen:
no es la tecnología que produce grandes animaciones, sino la historia que cuentan. La tecnología no produce obras de arte. Son obras de arte que generan la tecnología que necesitan (…) Cuando creamos una película, lo queremos convertir en algo auténtico, que transforme al espectador. Y sólo una buena historia puede proporcionar la tecnología necesaria para este efecto se transporte al monitor. El personaje genera una trama y la trama exige una técnica que da el alma.
Decirlo así o leerlo sin más, a uno le vienen ganas de responder por lo menos con un «¡pero, qué me estás contando?», o algo así. ¡Ep! Pues lo dice John Lasseter, en 
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